Con esta exposición, el Kunstmuseum invita a los visitantes a redescubrir su propia colección de arte moderno y contemporáneo y a explorar su relevancia para los discursos actuales. A partir de las obras icónicas de August Macke del legendario viaje a Túnez en 1914, que emprendió junto con Paul Klee y Louis Moilliet, la muestra abre un intercambio entre obras de arte de diferentes épocas y lugares. La exposición reflexiona sobre la importancia del viaje como inspiración y herramienta artística, así como sobre conceptos como el intercambio intercultural, la apropiación cultural y la responsabilidad global.

Obras de colección de Sigmar Polke, Michael Buthe y Joseph Beuys dialogan con préstamos de artistas contemporáneos como Haleh Redjaian, Niadia Kaabi-Linke y Manaf Halbouni. Las obras de la Sammlung der Moderne se complementan con abundante material del Archivo August Macke (Münster) y fotografías de viajes de Gabriele Münter.

En cierto modo, la sombra está en el principio de la historia del arte. En la antigua tradición de Plinio el Viejo, es la hija del alfarero Butades quien traza el contorno de la sombra de la cabeza de su amante con un lápiz de carbón, creando así la primera imagen. A su vez, la famosa alegoría de la caverna del filósofo griego Platón distingue las imágenes sombrías de la oscura caverna que oscurecen la realidad de la brillante luz del conocimiento y separa así literalmente la existencia sombría de la verdaderamente iluminada. El aspecto dudoso y potencialmente siniestro acompañó a la sombra durante siglos antes de que el Romanticismo descubriera sus dimensiones positivas y vinculara la sombra con la psique. En el cuento de hadas Peter Schlemihl, de Adelbert von Chamisso, por ejemplo, la pérdida de la sombra se equipara a la pérdida del alma. Aunque las sombras han desempeñado un papel en el repertorio de la pintura desde principios de la Edad Moderna, no fue hasta el siglo XIX y la invención de la fotografía y el cine cuando se convirtieron en un elemento pictórico esencial.

Basándose en unas 40 posiciones internacionales, la exposición rastrea por primera vez en un museo alemán la emancipación de la sombra como tema productor de imágenes, aunque siempre reflexivo sobre los medios, dentro del arte contemporáneo. Examina el espectro de los mundos de sombra, desde lo existencial hasta lo político, pasando por lo amenazador. La sombra es el punto de encuentro entre lo ausente y lo presente. Se refiere simbólica e inmaterialmente a la existencia del mundo material y, al mismo tiempo, también contiene su extinción. Pertenece al cuerpo, del que al mismo tiempo se encuentra siempre a distancia. Es una huella que, como la fotografía, funciona como índice y al mismo tiempo es una superficie de proyección que reclama su propia realidad. En este contexto, la sombra puede leerse, por un lado, como una metáfora de la crisis del sujeto, pero también como un importante indicador de una realidad más allá de lo superficialmente visible.

Artistas participantes (selección):

Vito Acconci, David Clerbout, Marlene Dumas, Hans-Peter Feldmann, Jenna Gribbon, Nadia Kaabi-Linke, William Kentridge, Astrid Klein, Farideh Lashai, Gerhard Richter, Regina Silveira, Javier Téllez, Kara Walker, Jeff Wall, Sue Webster/Tim Noble.

El arte siempre está estrechamente ligado a la vida de los artistas, sus familias y los coleccionistas de arte. La nueva presentación de la colección en el ámbito del modernismo clásico traza estos caminos e historias. Mientras que la presentación de las procedencias de las obras seleccionadas hace comprensibles los desarrollos históricos y sus efectos concretos sobre personas concretas y sus vidas, las biografías ejemplares crean una imagen viva y polifacética del periodo en el que se crearon las obras de arte expuestas.

Además de las obras destacadas de la colección de los conocidos expresionistas renanos, la nueva presentación muestra obras raramente expuestas de Marta Worringer, Käthe Kollwitz, Olga Oppenheimer y otras.

Deutsche Telekom y el Kunstmuseum Bonn presentan por segunda vez en 2025 el Human AI Art Award. Dotado con 10.000 euros y una exposición de dos meses de duración, el premio promueve enfoques artísticos innovadores en la era de la transformación digital. El premio anual reconoce a artistas que trabajan en el campo de tensión entre las bellas artes y la tecnología de vanguardia, especialmente la inteligencia artificial, y que son pioneros en este campo. Tras el exitoso estreno en 2024, cuando la artista estadounidense Lauren Lee McCarthy fue galardonada por un jurado de primera categoría por su obra Lauren, el ganador del premio de 2025 se anunciará a principios de año.

Un punto culminante especial del premio es el pabellón diseñado especialmente para el Human AI Art Award por la agencia Meiré und Meiré, que estará situado fuera del Kunstmuseum Bonn durante toda la exposición. Aquí se presentarán las obras artísticas premiadas. La arquitectura temporal ofrece a las obras nominadas un entorno contemporáneo y al público un lugar donde sumergirse en las interacciones entre arte y tecnología. La entrada es gratuita.

Con Gregory Crewdson (nacido en 1962 en Brooklyn, Nueva York), el Kunstmuseum de Bonn presenta a uno de los representantes internacionales más importantes de la fotografía escenificada. Sus fotografías, minuciosamente detalladas, evocan lo abismal en medio de lo cotidiano y familiar: en formato monumental, las fotografías muestran la intrusión de lo inquietante y misterioso en el mundo supuestamente ideal de los suburbios estadounidenses. La gente actúa como si estuviera en trance, aparecen luces misteriosas en el cielo nocturno y círculos de cosecha en céspedes cuidados.

Esta completa retrospectiva presenta extractos de todas las series fotográficas importantes del artista desde la década de 1980 hasta la actualidad. Más de 70 obras ofrecen una visión de su fascinante mundo visual, desde sus primeros trabajos artísticos, pasando por sus series más conocidas Crepúsculo y Bajo las rosas, hasta sus obras más recientes, que giran en torno al declive de la sociedad estadounidense lejos de los grandes centros metropolitanos. Los inquietantes motivos de Crewdon son atemporales y, al mismo tiempo, de una actualidad opresiva ante las crisis económicas y sociales, no sólo en Estados Unidos.

En colaboración con la Albertina de Viena.

Para su exposición, Kerstin Brätsch transforma el Kunstmuseum de Bonn en un denso cosmos de imágenes. Con sus pinturas intensamente luminosas, la artista se inspira en la larga tradición del arte abstracto y, al mismo tiempo, la amplía. El punto de partida central de su obra es la relación entre la pintura y el cuerpo a nivel físico, pero también psicológico y social. Combina la pincelada individual con efectos digitales y técnicas artesanales. Con nuevas producciones y obras de los últimos 15 años, la exposición ofrece una amplia panorámica de la obra de Kerstin Brätsch, en la que cuestiona constantemente de nuevo la pintura.

Al igual que el principio del mimetismo en los animales, sus motivos deambulan por diversos formatos mediáticos. Factores como la luz y el azar se convierten en elementos iguales en el proceso artístico. Al participar regularmente en formas de trabajo colectivas dirigidas, Kerstin Brätsch también plantea cuestiones fundamentales sobre la autoría y la subjetividad de la pintura con el fin de reposicionarla en el discurso artístico. La exposición se complementa con proyectos de colaboración de DAS INSTITUT (con Adele Röger), Sergei Tcherepnin, KAYA (con Debo Eilers) y Wibke Tiars.

Desde 2007, sus obras se han mostrado en exposiciones internacionales, entre ellas varias veces en la Bienal de Venecia. Sus obras están representadas en importantes colecciones privadas y públicas, y la artista ha recibido prestigiosos galardones como el Premio Helen Frankenthaler de Pintura, el Premio Peill de la Fundación Günther Peill, el Premio August Macke de Pintura y el Premio Munch del Munchmuseet de Oslo.